Baroness "Purple (2015)".

Todo apunta a que este es el momento de Baroness, si la banda de Georgia sabe mover sus cartas, se pueden en convertir en una banda grande o como mínimo con una buena base de seguidores. Como referente más claro se deberían mirar en Mastodon, que ha tirado de pulir y sofisticar su propuesta para abrazar a un publico más amplio y no les ha salido mal la jugada. Baroness y "Purple (2015)" esconden bajo un supuesto sonido muy elaborado y estructuras complejas (tras unas cuantas escuchas se evidencian las mismas) unos temas directos y de fácil asimilación. Si bien es la evolución continuista de "Yellow & Green (2012)", la propuesta tan excelsa de aquel siendo claramente una evolución y realmente notable, se diluía en un exceso de temas que hubieran funcionado mejor mas compactados. Por otra parte, la banda cuenta con el lado de emotividad necesario, ya que como recordamos, en 2012 sufrieron un fuerte accidente de bus, desmembrando a la banda, se han sabido recomponer y por que no, deben aprovechar también ese valor añadido.

Si tomamos la edición en vinilo como referencia, el discos se divide en dos partes marcadas por el corte situado al final de la cara B, "Fugue" es un instrumental lo-fi tranquilo y ambiental que sirve de contrapunto entre ambas caras. como punto de partida "Morningstar" contiene el punto afilado necesario para engancharte al disco, nada fuera control ni excesivamente duro, pero si muy dinámico, "Shock Me" contiene una intro puramente AOR y la melodía necesaria sobre un entramado de guitarras y una base rítmica muy trabajada, no en vano es la apuesta del grupo como segundo single. "Try to Disappear" es puramente 90's, tiene un punto bailable y duro a la vez en la parte intermedia con unas guitarras crujientes, me recuerda a Cave In y eso me gusta, "Kerosene" es directa y de una supuesta complejidad que toma respiro en su estribillo y los miles de efectos que asoman entre sus frases. 

La belleza de "Chlorine & Wine" se alimenta de eléctricas dulces o de un piano que acompañas a unas estructuras básicas que desembocan en un "Halo" de épica que en directo debe funcionar muy bien. "The Iron Bell" es rockera por todas partes, sencilla en formas y dinámica, así como desaliñada en su parte final, "Desperation Burns" es una mirada a un pasado o muy lejano de la banda en cuanto a estructuras, " If I Have To Wake Up" es pura emotividad, quizás algo falta de heroicidad para cerrar el disco de forma apabullante, se queda algo en buenas intenciones pero no remata.    

La Outro "Crossroads Of Infinity" no se muy bien que mensaje quiere mandar, parece como si se hubieran dejado encendida la grabadora para un mensaje y diecisiete segundos mas tarde se apaga. No nos engañemos, seguro que sus seguidores más afilados preferirían que la banda siguiera fiel al sonido duro en su conjunto general de "Red (2007)" y "Blue (2009)", pero seguramente la banda continuaría tocando en clubs minúsculos, dando buenos shows, pero sin posibilidad de abrirse a otras audiencias.

Prima Donna “Nine Lives And Forty Fives (2015)”.

Prima Donna tuvieron sus quince minutos de fama hace unos cuantos años, se embarcaron en una gira con Green Day, parecía que el “joven” público de esa banda los abrazaría y que la banda se vería “obligada” por exigencias del guión a cambiar su sonido. Nada de esto ocurrió y la banda sigue en el completo underground pateándose clubes de todo el mundo, es más ni siquiera ofrecen shows en las grandes ciudades, al menos en Barcelona desde 2010 no han programado ninguna de sus giras por la península en la ciudad condal. A nivel de imagen han pulido la misma hacia algo más formal, cortando sus pelos crepados y con cara de buenos niños, aunque en su música no han perdido nada de pegada y su sonido de Glam Rock sigue vivo, para muestra “Nine Lives And Forty Fives (2015)”. 

El disco escupe actitud y rock and roll por todos lados, de esos que al escucharlos uno se imagina rodeado de groupies y champagne, a buen seguro la banda se habrá pegado alguna de éstas. El disco tras unas cuantas escuchas entra muy bien, Abren dando un puñetazo con "Pretty Little Head" y continúan de forma vacilona con “Deathless”, si tomamos estos dos ejemplos, la idea del resto del álbum esta clara, solo hay que disfrutarlo. Se puede bailar con “Born Yesterday”, acercarte al legado oculto de Blondie con el cover de “Rip Her To Shreds” o bien a un poco de historia con el cover “Rock’N’Roll Is Dead“ de The Rubinoos. El caso es que el álbum es toda una inyección de sonido fresco y glam Rock, si de vieja escuela pero directo y que te atrapa, una pena que la banda no tenga más repercusión, ya que queda claro que se lo trabajan en todos los ámbitos.

Clutch "Psychic Warfare (2015)".

Una vez ya rodado el nuevo disco de Clutch "Psychic Warfare (2015)" leía que si seleccionabas diez temas al azar de los discos de Clutch y los escuchabas por separado te costaría saber a cual pertenece cada uno de ellos, no le faltaba razón, estoy en ese grupo. Pero ese no es un problema, aunque todos tengan unas estructuras muy similares, tiene el poder de engancharte cuando les has dado un poco de recorrido, si "Earth Rocker" arrancaba a toda pastilla, "X Ray Visions" hace lo propio en esta ocasión y como si de una competición entre la parte vocal y la de guitarras se tratara, te engancha para el resto del álbum. 

"Firebirds" no se queda atrás y vuela alto, con una parte final que baja el ritmo para retomarlo rápidamente, "A Quick Death In Texas" susurra entre funky al estilo de Grand Funk VS el primer Lenny Kravitz (si, que nadie se ponga las manos en la cabeza) en su parte vocal más suave, eso si, el tema acaba en una fiesta en el granero de la casa. "Sucker For The Witch" avanza a ritmo de bajo y a tumba abierta, quizás demasiado básica después de un arranque bestial, referencias a Stevie Nicks en su letra, ¿será por lo de bruja de su título?. "Your Love Is Encarceration" tiene un punto negroide muy interesante, referencias a Humble Pie y base rítmica cargada de chulería a lo Aerosmith de "Get A Grip", el. contra punto de "Doom Saloon" recuerda a los Sabbath creando temas para relajarse, o bien en pleno viaje de sustancias poco recomendables, colocada como "Intro" apocalíptica y oscura para "Our Lady Of Electric" perfecta para escenas cinematográficas bajo el sol del desierto. 

La parte final retoma todo la propuesta escuchada hasta el momento "Noble Savage" , arranca a toda prisa para poner las cosas en su sitio con unos potentes riffs de guitarras, "Behold The Colossus" esta llena de tensión y de efectos guitarreros, quizás el ritmo es el mismo de otras del álbum y parece que ya la hemos escuchado, tema básico de la banda. Si el disco tuviera diez temas, éste cubriría de forma mas efectiva la entrega de la banda, ya que "Decapitation Blue" aporta más de lo mismo y "Son Of Virginia" mira hacia la mitad del álbum en los pasajes más bluesies de la banda. En resumen, un álbum continuista de una banda en muy buen estado de forma, que aplica toda la experiencia acumulada durante su larga trayectoria en cada nuevo álbum.

Buckcherry “Rock And Roll (2015)”.

Reconozco que la reciente obra de Buckcherry no pasó de dos o tres escuchas en mi reproductor al salir al mercado, lo encontré con algún tema efectivo, pero continuista en relación a sus recientes obras. Pero que queréis que os diga, lo he recuperado y puedo decir que esta realmente bien, evidentemente no llega al nivel de sus dos primeros discos o sin ir más lejos del álbum de vuelta de la formación, pero “Rock And Roll (2015)” contiene precisamente lo que su nombre indica, con el punto de garra necesaria sobre todo en su arranque y en su parte final y los medios tiempos marca de la casa, que quizás son los momentos más intrascendentes del mismo.

"Bring It On Back" arranca con algo de presencia 70's para convertirse rápidamente en un himno marca de la casa, de estribillo pegadizo y fácil de asimilar, "Tight Pants" sin duda el mejor tema del disco, potente, con vientos como novedad en la propuesta de la banda, un camino que deberían tomar más a menudo, mucho groovie funky mezclado con Hard Rock a los Aerosmith de "Permanent Vacation". "Wish To Carry On" abraza la comercialidad descaradamente, entre un medio tiempo y un Rock cargado de algo de brillantina y chulería en su parte final. Para mi, el punto mas flojo de los actuales Buckcherry son los temas lentos, me costaría escuchándolos sueltos saber en que disco de los últimos editados esta cada uno de ellos, "The Feeling Never" no escapa a esa sensación, bien hecho e interpretado, pero con una emotividad que no llega. "Cradle" arranca directa y subiendo, baja revoluciones en su estribillo y hasta se cuelan acústicas pero rápido las guitarras crujientes la abrazan y te hacen mover la cabeza con ella.

La cara B se abre con un riff muy potente, "The Madness" se podría haber colado sin problema en cualquiera de sus dos primeros trabajos, es dinámica y un buen apoyo vocal complementa una potente base rítmica. Vuelve el vacileo con "Wood", puede parecer un tanto inofensiva, pero es hay donde radica su gracia, es fácil imaginarse un día soleado de festival sobre el césped y la banda tocándola en el. Para "Rain's Falling" hay que pedirse un cocktail y disfrutarlo sin prisa, aires Jazzys y bluesies la alimentan antes de la cascada sonora final de "Sex Appeal" y Get With It", la banda parece estar cómoda colocando al final de sus discos los temas más directos y en este caso la primera es cortante y de la vieja escuela, guitarras en primer termino y el punto sucio necesario y la segunda contiene un punto setentero puesto al día, coros efectivos y el punto perfecto de chulearía para cerrar un buen disco al que hay que acercarse sin pretensiones, Buckcherry en estado puro, sin tanto azúcar!

Supersuckers “Holdin’ The Bag (2015)”.

El nuevo álbum de Supersuckers coincide con el comunicado de Eddie Spaghetti informando de que ha dejado atrás el cáncer y bromeando conforme no podrá volver a dejarse la barba, solo un bigote de policía pero que esta delgado, por lo que doble ración de buenas noticias. Si hace poco más de un año la vuelta de Supersuckers fue de lo más cruda y directa, para comprobarlo basto con acercarse a sus shows, llenos de suciedad y velocidad y donde no asomó ni una sola guitarra acústica, en este “Holdin’ The Bag (2015)” hay muchas aunque el álbum se enfoca como una propuesta de rock americano en toda regla, no solo ciñéndose al country. 

El álbum se mueve entre melodías cargadas de estribillos pegadizos, dotadas de aires acústicos, pero también encontramos buenos momentos más cercanos al rock como "Jibber-Jabber" y "Shimmy & Shake" o una cargada de sentimiento “High & Outside”. Así mismo, hay un par de duetos realmente interesantes uno con Hayes Carll en "This Life. . . With You ", y la mejor canción del álbum," I Can not Cry ", con Lydia Loveless. No podemos considerar “Holdin’ The Bag (2015)” un álbum de Country ni mucho menos, este es más juguetón y va más allá creando una especie de Alt-Americana en toda regla. Eddie tiene la intención de reanudar en 2016 las giras, no estaría nada mal una basada en este disco y su propuesta Country.

 

Jonathan Tyler “Holy Smokes (2015)”.

Jonathan Tyler no solo se ha despojado de The Northern Lights (y por algún que otro problema legal con el nombre) para editar el nuevo disco, si no que también se ha quitado de encima la influencia fresca y rocosa de una banda que hace cinco años sonaba más cerca al rock americano que asoma en las emisoras de radio que al aire de canciones más intimas y desnudas. Aunque mantiene la esencia Rock en muchos temas, tiene que ver que la reciente gira con Butch Walter otro rockero que se ha lanzado por el camino íntimo y la amistad con Nikki Lane, esa chica a la que mejor le sienta el aire Cowgirl en su cambio o nuevo giro. 

Si podemos decir que le enfoque de su aventura como artista en solitario va ligada al Rock de nueva generación con aires Indie y de ese que mete influencias de raíces sin problema, el propio autor asume influencias de ZZtop al lado de otras de George Harrison JJ Cale o de Ennio Morricone. La electricidad da inicio al álbum “Hallelujah”, de ritmo rápido y enérgico pega una patada al oyente con una voz que se amolda a la melodía de la guitarra, pero esa patada queda diluida rápidamente cuando 'Down To The City” ralentiza la energía inicial en clave country, así como "Honey Pie", todo un trabajo de desesperación emocional, bien instrumentada, así como “Let It Out.” en esta ocasión en tono eléctrico.

Una pieza compuesta para ser cantada en dúo es “To Love Is To Fly” donde junto a Nikki Lane se desarrolla esta canción de amor, “Riverbottom” remonta el animo ya que esta cargada de energía, de esas canciones perfectas para el directo, engancha y se te queda en la cabeza. La colaboración con Ray Wylie Hubbard en “Hey Mama, My Time Ain’t Long” suena a balada de forajido buscado por la ley. “Everything Was Cool in 2002,” cierra el álbum de forma larga entre matices de órgano que rozan la psicodelia, un disco que supone un importante giro hacia una carrera más personal o bien intentando llegar a otros determinados sectores de publico y parámetros musicales.

Banditos (2015).

La banda con sede en Nashville representa en su música esa amplia paleta de influencias de la cultura americana en cuanto a influencias musicales se refiere, es decir el blues, los sonidos pantanosos, las canciones cantadas en el porche de una granja, las guitarras Slides, banjos acelerados y puntiagudos, las voces femeninas con carácter, el contrabajo que mira a los años 50’s, etc…. En todo un ejercicio de lo que podríamos llamar Alt-Country Por no hablar de su imagen, por los estilismos de sus miembros éstos podrían estar en bandas Hillbillies o directamente en los Lynyrd Skynyrd de los 70’s, o bien su personal femenino, comparada con Janis Joplin. No negaremos que el regusto a “Hipster” también les acompaña, aunque la banda tiene un largo recorrido, basta con buscar por Youtube la cantidad de vídeos en diferentes shows y tesituras en que se mueve la banda. 

Por otra parte, pertenecen al sello Bloodshot Records, una seña de calidad para presentar los temas de su álbum de debut bajo el co-liderazgo de la voz oxidada de Timothy Steven Corey Parsons y la amable voz de Mary Beth Richardson’s. Habitualmente necesito más guitarra en los discos de raíces y me gusta que miren más al rock, en este caso la balanza se decanta algo más por las canciones con menos garra, pero éstas presentan un trabajo muy elaborado y tiene una aire que se retro alimenta en todo momento del pasado.

 

El álbum se abre mordiendo con “The Breeze”, que propone un ritmo trepidante de un banjo bajo la voz ácida a lo The Cramps, el Honky Tonk de “Waitin” podría ser otro ejemplo de los derroteros que toma un disco que después de unas cuentas escuchas se empieza a apreciar en su conjunto. En el otro lado tenemos los temas liderados por la voz femenina y que suponen un viaje a un pasado al estilo Rockabilly, si Jonn Waters hiciera una segunda parte de “Cry Baby”, muchos de esos temas podrían aparecer en el film. Basta con pegarle un vistazo a la portada del disco para ver calor todo lo comentado anteriormente.

Refused “Freedom (2015)”.

No perderemos mucho tiempo (bueno, si) en si esta bien o mal que la banda vuelva a estar en activo tras su vuelta en 2012 después de la anunciada muerte en los 90’s o bien que hayan resucitado de nuevo solo un año de su segunda muerte, por lo que de momento han gastado tres vidas, si habláramos de un videojuego, seria la última. Esta claro que ser activista y anti todo no llena tu cuenta corriente, por lo que ha sido necesario tragarse todo el discurso post primera y segunda muerte de la banda para volver y aprovechar de nuevo el estado de culto de la banda, eso si, parece que perderán unos cuantos de sus seguidores más fieles y con principios. Por otra parte, como en “casi” todas las reuniones algún miembro se baja del carro, ya sea con o sin polémica, en este caso el guitarrista Jon F. Brännström. 

Si nos ceñimos a los estrictamente musical, todo el mundo esperaba una continuación lo más próxima a “The Shape of Punk to Come (1998)”, como si hubieran pasado diecisiete años. Estoy seguro que si Refused no se hubieran separado en 1998 su sonido hubiera girado hacia la innovación con mas motivos electrónicos, etc… en su música y no se diferenciaría en exceso a lo que nos presentan actualmente. Por otra parte, sería absurdo esperar un disco de Hardcore al uso, los proyectos una vez finiquitada la banda por parte de sus miembros (The Internacional Noise Conspiracy, IVSN, Abhinanda, etc…) no dan una pista a ello y quizás solo en la inicial “Elektra” es donde menos innovaciones encontramos con un sonido directo, Riffs marca de la casa y que encajan totalmente con su pasado, situada en el inicio del álbum puede parecer que su sonido continua, pero el resto del álbum es toda una variedad sonora, que si bien es destacable Porque demuestra que han hecho el disco que han querido, también representa el riesgo del mismo. 

En "Old Friends / New War" nos encontramos con electrónica, voces sampleadas o filtradas, acústicas, percusiones, gritos, etc...un claro ejemplo de tema que esta muy bien trabajado y que abarca diversos elementos, "Dawkins Christ" tras unas voces femeninas arranca entre guitarras realmente heavy metálicas de la vieja escuela y encajando entre redobles y cambios de ritmo, así mismo destaca la voz que mantiene el ritmo del tema, "Françafrique" descoloca pero que queréis que os diga, si os despojáis de prejuicios se disfruta como con esos temas de Faith No More que nos hacían fruncir el gesto para luego disfrutarlos, el grito antes del bloque de la letra de "Kill, Kill, Kill" resulta muy molon. 

Para "Thought Is Blood" mantienen el ritmo intranquilo hasta que explota en mitad del álbum para relajarse hacia el final con algún que otro arreglo electronico antes del estallido final, "War On the Palaces" podría encajar como guiño al Rock And Roll de los Stooges, cargado de Soul y esos ambientes generados por los vientos y las guitarras filtradas, por no hablar del vacilon estribillo. "Destroy the Man" no acaba se funcionar, ese estilo demasiado atropellado no engancha y se hace pesada, al contrario que “366” que empieza gritona y bajo los parámetros habituales se muestra como una pieza marca de la casa. En "Servants of Death" la electrónica abraza la cara funky de la banda, algo así como el hardcore versionando a Prince, eso si, cargado de elementos bailables, "Useless Europeans" supone el punto final a modo de tema introspectivo, de un álbum que abarca todas las influencias de una banda que se muestra ambiciosa porque se hable de ellos, ya sea con su música o bien con su discurso ya poco creíble fuera de ella.

Faith No More "Sol Invictus (2015)".

Si Tomahawk, Mr.Bungle, etc... no existieran, podríamos decir que "Sol Invictus (2015)" nos hubiera sorprendido. Pero al menos para mi nada más lejos de la realidad, creo que en la nueva reencarnación en estudio de Faith No More falta garra en forma de guitarras afiladas y metálicas esas que el odiado por Patton Jim Martin tan bien sabia meter en la imaginaria de la banda y que creo que ninguno de sus sustitutos ha sabido crear o bien le han dejado crear. Que no se me malinterprete, Jon Hudson hace un excelente trabajo, y el álbum es disfrutable, en su favor juega que no se alarga en duración y que los temas necesitan de varias escuchas por lo que es inevitable volver a darle al play, pero en su contar creo que los gustos tan variados de sus miembros no acaban de encajar sobre todo en la segunda parte del álbum. 

Al darle unas cuantas vueltas al conjunto esta claro que no hay rastro de "King For A day...(1995)" hacia atrás, sin ir más lejos "Superhero" podría ser un tema de dicho álbum y no pasaría nada, un riff inicial a lo "What a Day" de dicho álbum da paso tras la tétrica intro de titulo homónimo a un tema dinámico que enlaza con la parte más furiosa del álbum y donde se concentran los mejores temas en mi opinión. "Sunny Side Up" contiene ese piano y punto en la voz de Patton que combina melodía con esquizofrenia y las lineas de bajo de Billy Gould que hay que referenciar también como productor del álbum. En "Separation Anxiety" la pelota pasa al terreno de la base rítmica de la banda y me viene a la cabeza el trabajo de Patton con Dillinger Scape Plan para trazar sonoridades paralelas y "Cone of Shame" ejerce de pieza de arranque entre fúnebre y oscuro para estallar entre escupitajos vocales.

En la segunda parte del disco o cara "B" estaría el lado de sonoridades más personales o temas cargados de capas y capas. "Rise Of The Fall" es heredera de ese sonido de feria marca de la casa, "Black Friday" podría pasar por canción diseñada para los títulos de ínicio de una serie pantanosa y de policías de dudosa legalidad, acústicas que mutan voces filtradas y guitarras inocentes,yo hubiera metido un banjo. "Motherfucker" me pareció una tomadura de pelo en su momento o directamente una broma de la banda para quedarse con todo el mundo y en el conjunto del álbum me lo sigue pareciendo, "Matador" podría considerarse la balada del álbum al estilo Faith No More claro y cierra llena de luz y acústicas de aire Beatliano "From the Dead", un álbum posiblemente innecesario pero que retro alimenta las ganas de la banda para poder seguir juntos y sentirse vivos, por lo tanto bienvenidos ea "Sol Invictus (2015)".

Two Gallants "We Are Undone (2015)".

Es curioso como asocia ciertas bandas a momentos de tu vida o bien empiezas a seguirlas por formar parte del mismo, en el caso de Two Gallants los asocio a las fría Suecia de hace un par o tres de años aunque no tengan nada que ver con esas latitudes y su anterior trabajo "The Bloom And The Blight (2012)" que es el que me engancho a ellos en dicho país es claramente rasposo y árido. Pero bien, Two Galants ya se habían cruzado en mi camino en el 2007 en la carpa del festival Azkena y mentiría si no aseguro que me aburrieron y los ignoré.

Pero estamos en 2015 y el dúo presentan nuevo disco "We Are Undone", que si bien no tiene el poso árido de su predecesor, va cargado de guitarras, melancolía y un puntido "Indie Alternativo" bien entendido, si no fijaros en "Fools Like Us" puro Dinosaur Jr o Sebadoh. El tema inicial da titulo al álbum y representa como quiere sonar la banda (bueno diremos dúo) en unos cuatro minutos, introducción de guitarras puramente vintage y voces desgarradas, que en ""Incidental" se retuercen en tristeza que se amplifica en "Invitation To The Funeral" pero desde el lado alegre y cabalgando a buen ritmo.

El piano y la inevitable comparación con el amigo White nos la encontramos en "Some Trouble", encajaría perfectamente en una escena final de una serie. "My Man Go" es la desesperación en forma de blues de barra de bar, "Katy Kruelly" suena a amanecer soleado mezclándose con imágenes de una cámara vintage tomadas en cualquier playa. En"Heartbreakdown" todo se vuelve simple al igual que en "Murder The Season / The Age Nocturne" pero esta tirando de cacharrería taciturna y "There's So Much I Don’t Know" pone el punto final retomando la electricidad a un álbum que desciende al punto menos abrupto a medida que pasa el minutaje.

Danko Jones "Fire Music (2015)".

Recientemente y gracias a la fiesta de 10 Aniversario de la revista Rockzone en la que participe de forma activa como Dj invitado, pudimos conocer a la estrella invitada esa noche, Danko Jones el cual no olvidemos tiene una sección fija mensual en dicha publicación. En esa ocasión no actuó en directo ni hubo numerito de la horchata, nos encontramos con un tipo como nosotros (es decir normal) y cordial que selecciono en su añejo Ipod un puñado de temas de sus gustos personales de bandas como Tricky Woo, Jon Spencer Blues Explosion o Iggy Pop. Aunque otro de los motivos de su presencia fue presentar su nuevo álbum "Fire Music (2015)", que justo salia al mercado al día siguiente de la fiesta.

La palabra para definir el álbum podría ser "inmediatez", desde el primer momento y hasta el final del álbum todo pasa rápido y de manera trepidante, puede que haber formado parte del Motorboat, compartir escenario con bandas como Anthrax o Dowm le haya influido. Lo cierto es que la esencia Punk a lo The Misfits y los coros de puño en alto están en disparos como "The Twisting Knife", "Gonna Be A Fight Tonight" o "Body Bags", pasados por el filtro del Heavy Metal más clásico. Aunque no dejan de lado su seña marca de la casa, es decir los temas vacilones "Do You Wanna Rock" y si bien todo lo que entre por tus odios es conocido, no implica que no sea disfrutable.

Hanni El Khatib “Moonlight (2015)”.

Hanni El Khatib es de esos músicos a los que podríamos englobar en el universo “Cool” del rock, activo en las redes sociales, presenta sus trabajos en diferentes formatos y muy trabajados, tirando a lo vintage, sin ir más lejos los “Teasers” de su nuevo disco son imágenes a través del formato VHS o un Cassette con los temas instrumentales, eso si, creo que juega en su contra su nombre artístico que puede hacer que no nos acerquemos a su música. Si sois de los que no tenéis ningún problema con los Black Keys más actuales, Hanni es vuestro hombre, algo así como la prolongación del dúo, basta con acercarse a su anterior trabajo “Head In The Dirt (2013)” donde Dan Auerbach de The Black Keys componía, tocaba y cantaba en el álbum. 

En un principio “Moonlight (2015)” no tiene la inmediatez de su anterior trabajo, pero como aquel, también esta cargado de temas interesantes y juguetones, como el homónimo, donde los aires de película 80’s macabra asoman por todo el tema y se juntan con las guitarras crujientes de otras composiciones como “Melt Me” que suena básica, rockera y potente. “The Teeth” es una muestra de cómo entiende el blues Hanni o “Mexico” algo así como una Pseudos balada que podría parecer en los créditos de cualquier serie de personajes retorcidos.

El vacileo de “Servant” con ecos femeninos en su estructura, contra resta con el tema que cierra el disco “Two Brothers”, donde se mira a bandas como LCD Sound System con un desarrollo instrumental que mira a la electrónica y que podría sonar perfectamente en el arranque de una sesión electrónica en cualquier club de tu ciudad. Valorando el disco en su conjunto, nos encontramos con menos furia guitarrera, pero si con un conjunto más variado y completo para un álbum que gana con las escuchas.

Soundgarden “Echo of Miles: Scattered Tracks Across the Path (2014)”.

“Kristi” el tema que ha servido como carta de presentación de la Box Set de colección de rarezas y caras B de la banda. Remontándonos en el tiempo, dicho tema ya fue interpretado en directo en sus conciertos por Europa en el lejano verano de 1995, como por ejemplo en el que puede asistir en Reading 95, y que presentaban como adelanto de su próximo álbum “Down On The Upside (1996)”, la historia es que luego se publico el álbum y ese “Kristi” quedo directamente en el olvido. En esa misma edición del festival, en una diminuta tienda del pueblo de Reading hice especial acopia de música, incluido un disco de Soundgarden lleno de caras B y versiones que no aparecían en sus discos, incluida alguna en versión “Bootleg” como el Cop Killer de Body Count. Tdos esos temas se presentan ahora en forma de Box Set de tres discos bajo el nombre de “Echo Of Miles: Scattered Tracks Across the Path (2014)” con una presentación cuidada con transparencias y un libreto con el origen de cada tema. 

El primer disco “Originals” recoge las caras B que ha lo largo de los años han ido apareciendo en singles, Mini Lps y bandas sonoras. Sin duda para mi la estrella de ese volumen es “Birth Ritual” aparecida en la banda sonora de Singles y en el momento en que la banda estaba en mejor forma. Si, también se incluye la reciente, innecesaria y sonrojante “Live To Rise” que nunca debería haber salido bajo el nombre de la banda. Sin duda este volumen es el más disfrutable, “Heretic” de la época “Louder Than Love (1989)”, la cara B de “Spooman” “Cold Bitch” o el corte de aire pop “Show Me” que incluyeron en la recopilación “No Alternative”.

El segundo disco es el dedicado a las versiones “Covers” y demuestra el amplio abanico de influencias de la banda, que si bien en un principio podría parecer que el Heavy metal debería ser uno de sus alimentos principales, es el estilo menos representado, alcanzándose con ese puesto el Punk Rock, Ramones, Fear, Stooges etc… junto al del Rock And Roll Clásico, The Rolling Stones, Vétales, Jimi Hendrix. Aunque yo le tengo especial cariño a la de Spinal Tap “Big Bottom”, por aparecer en uno de los videos en directo más potentes que recuerdo “Louder Than Live”.

El tercer disco “Oddities” representa el lado más “extraño” de la banda, con sesiones instrumentales y remixes de singles de la banda que son claros deudores de la época en la que aparecieron, los 90’s. Sin duda es el volumen más prescindible, pero cosas como “Black Days III” representan la otra cara de la banda y sirven para comprender del todo el producto. Desgraciadamente este nuevo lanzamiento deja abierta todavía más la herida del flojo álbum de retorno de la banda “King Animal (2012)”, esperemos que con esta vista al pasado recuperen la inspiración para el futuro.

Billy Idol “Kings & Queens Of The Underground (2014)”.

Acostumbrados a que Billy Idol en el presente se mueva entre sonidos Hard Rockeros, puede que al escuchar por primera vez la propuesta de “Kings & Queens Of The Underground (2014)” se caiga en la sensación de que nos encontramos ante un disco flojo y falto de pegada. Si bien es cierto que a partir de la mitad del disco el exceso de medios tiempos hace que éste pierda consistencia, en conjunto podríamos considerar que Idol y Stevens han mirado por el retrovisor y parido un disco cargado de esencia de su época de mediados de los 80’s, donde los teclados y las guitarras “Flashy” navegaban a sus anchas por los surcos de sus trabajos, aunque seamos sinceros tirando a la misma vez de un exceso de comercialidad. 

Si navegáis por la red, Idol ha ido presentando en sus shows los temas del álbum, siendo estos en su versiones en directo más rockeros y directos en muchos de ellos. En sus versiones de estudio han sido trabajados en el estudio y dotados de un aire comercial como por ejemplo “Can't Break Me Down” con esos coros y el estribillo altamente pegajoso e incluso azucarado. La inspiración esta ahí y temas como “Postcards From The Past” que destilan esencia 100% Idol a pesar de las capas de azucar.

Siguiendo con el protocolo de todos los discos del oxigenado cantante, ninguno de ellos es completamente redondo, por lo que éste, no es la excepción, pero si contiene un buen puñado de temas que pasan a formar parte de su repertorio en directo. El arranque con “Bitter Pill” lo podría ser también de sus shows, “Whiskey and Pills” el contrapunto Punk o el tema título “Kings & Queens of The Underground” la balada con vistas al pasado en su letra, donde se puede entrever las influencias “Seventies” de Idol. La buena noticia de todo esto es que el cantante y Steven Stevens siguen siendo un tandem infalible y que se necesita el uno al otro para brillar y si bien entre su anterior disco el espectacular “Devil’s Playground (2005)” han pasado nueve años, pero se han mantenido en la brecha con discos de éxitos y constantes giras, sigamos disfrutándolo.

Zodiac "Sonic Child (2014)".

Solo una pequeña muesca hacia el Jazz en el sonido de Zodiac es lo que se me antoja como cambio en el nuevo álbum de la banda "Sonic Child (2014)", por lo demás todo sigue en su sitio, y eso es precisamente lo único que podríamos poner en el lado negativo de un disco que se abre con una intro en clave Speech y sobre un ambiente instrumentado hacia el lado algo Jazz Prog, pero que rápido se adentra en esos temas que desde el lado Rock más controlado también saben ejecutar Zodiac, una elegancia bien puesta en sus parámetros.

"Swinging On The Run" arranca en clave rockista para adentrase en pasajes largos de notas infinitas o el tema título que se me antoja como el más "comercial" y que deja paso a la inmediatez de "Holding On", que a su vez ésta sirve de previo para las bonitas acústicas y slides de "Sad Song", pura melancolía.El lado vacilón y que mira hacia QOTSA, Nos lo encontramos en "Out Of The City", un tema donde parece que Mark Lanegan asome dejando su lado melancólico en caso, de lo mejor del álbum.

"A Penny And a Dead Horse" nos transporta al blues de letras sobre mujeres y de sudor y un punto oscuro, "Good Times" tiene ese punto AOR en la voz y algo Funk en los coros que combinado con unas guitarras muy potentes completan una ecuación realmente completa. La parte final con "Rock Bottom Blues"  con un blues de corte pausado y bajo el manto de los elegantes arreglos y "Just Music" cierra el álbum de forma tranquila con esos toques Jazzy que enlazan con la Intro del disco. En su edición especial, tenemos dos bonus en la misma línea y tomas en directo, dejando claro éstas últimas que Zodiac si saben darle el punto diferencial a su propuesta para no caer en la repetición de esquemas, pueden llegar lejos.

The Minutes "Live Well, Change Often (2014)".

"The Minutes Believe In The Power Of Rock And Roll", esta es una de las varias afirmaciones que constan en la BIO de la banda de Dublin en su página web. Nos queda claro, The Minutes son Rock & Roll, su disco "Live Well, Change Often (2014)" incide en dicho genero y toma un poco de cada parte para que suene fresco y potente, un aire Glam a lo Bowie, T-Rex, etc... también corretea por todo el disco, la muestra, "Cherry Bomb", nada que ver con The Runaways. A la formula clásica debemos aplicarle un filtro actual, "Hold Your Hand" podrían convertirla QOTSA en un fenómeno de masas.

Quizás el problema principal de la banda, si es que es un problema,es que su sonido rockista puede ser un problema para el seguidor más "Indie Rocker" o bien al Rockero genuino producirle el efecto contrario. Pero tranquilos, si se trata de disfrutar, no hay problema, solo hay que darle al play y dejar que piezas como "Supernatural" al estilo algo oscuro de Black Rebel Motorcycle te atrapen. "Outlaws" tira hacia las guitarras más gruesas o bien "Holy Roman Empire" hacia el lado Pop, por no decir que en el formato acústico y sensible en la balada "Lo And BeHold".

Como irlandeses no puede faltar un tema gamberro de esos de estilo Pub "1,2,3,4" es su título y en la final "Mistery Of Mon" tiran de algo de épica Pop, me recuerda a los olvidado Spacehog. A todo esto debemos añadirle la imagen de la banda, tatuajes, Look entre Rocker y elegante para si cabe llegar un poco más lejos que puramente con su propuesta musical.

Ryan Adams (2014).

Partiendo de que el Ryan Adams que más disfruto es el rockero, el de guitarra eléctrica en mano, ese que a mucha gente le chirría y que el Adams acústico e intimo me puede llegara producir bostezo, para mí su nuevo álbum presentado bajo su propio nombre se me presenta como un ejercicio de rock americano clásico con muy buenos momentos, aunque algo falto de empaque en ciertos temas. A nivel personal, con Adams comparto edad y es de esos artistas que cuando los descubres te hacen seguirle la pista, por lo que siento ciertos paralelismos personales, como esa necesidad de dejar claro sus influencia metaleras o su admiración por el Punk o iconos de la cultura USA.

Entrando en materia musical, considero que este álbum es su obra AOR, no puedo quitarme de la cabeza bandas como Foreigner en ciertos temas como la inicial "Gimme Something Good", donde el manto de arreglos de Piano la acercan a dicho genero, o bien " Am I Safe" con las colaboraciones vocales y el tratamiento de guitarras al estilo Chris Isaak, encajarián sin problema en una serie de éxito de cualquier cadena privada. Por otra parte, el Lado Petty asoma en "Kim" con estructuras muy básicas de corte rockista pero efectivo, será que Johnny Depp se deja caer por el tema.

"Stay With Me" presenta de nuevo al artista maduro y rendido al AOR de corte elegante, aunque con ese deje vacilón marca de la casa, en lo que es para mi, uno de los mejores temas del álbum, aunque poco trabajado en su parte final, un desarrollo más largo no hubiera estado nada mal. "Shadows" juega entre sombras y claroscuros pausados con cierto aire de complejidad, mostrando al artista intimo pero complicado a la vez. En ese puesto de favorita personal, podría meter "Feels Like Fire" sin problema, aparece de nuevo Johnny Depp y parece que inyecta ese aura de estrella del Rock, sentándole muy bien al tema.

"Ryan Adams (2014)" nos presenta aun artista que ha dejado de lado el aura de Enfant Terrible, que sigue haciendo lo que quiere pero que se centra en la madurez que le abraza por generación. Para mi los momentos más pausados son los que fallan del disco, quedando claramente con su lado vitalista y de aires rockistas. Como complemento de esa pasión por hacer lo que le viene en gana , Adams lanzo "1984 (2014)" un mini LP en homenaje a las bandas del movimiento Post Punk que tanto admira, se me antoja perfecto para compaginarlo con su nuevo disco.

The Gaslight Anthem "Get Hurt (2014)".

Antes de ver la luz oficialmente "Get Hurt (2014)" ya es de esos discos que las tienen todas para que se analicen a fondo y sacarle punta a cada uno de lo rincones del mismo. Motivos hay unos cuantos, Brian Fallon no se canso de advertir que nos encontraríamos con un cambio de sonido que a la postre no ha sido tan significativo, si no más bien que es el mismo, pero con otro registro más orientado a la limpieza y porque no Punk Rock de corte A.O.R. Así mismo, y creo que hay esta el problema de la banda, se vieron tocando la fama "Mainstream" con la yema de los dedos pero el creérselo demasiado a generado una desgana en la actitud de la banda en lugar de ser ellos mismos y dejar que los acontecimientos se desarrollaran de manera natural. 

Por otra parte, la sensación de excesivo liderazgo de Brian Fallon sobre el resto de la banda lastra claramente al desarrollo de ideas nuevas y si este no esta inspirad o decide acercarse a su otro proyecto The Horrible Crowes más de la cuneta el conjunto se resiente. Con todo lo expuesto anteriormente "Get Hurt (2014)" después de unas cuantas escuchas y el "descoloque" inicial de la falta de garra se posiciona claramente en el menos inspirado de la banda, pero eso si, con algún momento de luz lejana y algunos pasajes muy bien instrumentados. "Stay Vicious" es un espejismo en su treinta primeros segundos, en su interior están los riffs más duros del álbum, pero eso si una parte de coros y estribillo suave que no esta a la altura, "1,000 Years" de aires 80's tras unas cuantas escuchas es muy efectiva, sobre todo en el punteo de guitarra, aunque no era necesario una voz tan limpia, al igual que en la balada que da titulo al álbum, todo excesivamente correcto.

Una especie de regreso al pasado reciente en "Stray Paper", la voz cruje lo necesario y los coros femeninos encajan en la misma, "Helter Skeleton" sigue por la senda de su predecesora pero tirando hacia el Pop descaradamente y porque no un poco suena un poco a rock vintage de película adolescente. "Underneath The Ground" parece sacada de un disco de hace tres décadas, cuesta de asimilar por su esencia puramente pop, podría decir que en manos de los INXS de finales de los 80's este tema seria muy caliente, "Rollin and Tumblin" es claramente el tema de parámetros más afines a la banda, de voz rasgada e inmediatez, así como los coros de bar marca de la casa.

Otro punto a tener en cuenta es el orden de los temas en el álbum, algo incoherente en su primera parte, por lo que podríamos decir que el bloque más compacto es el final con concentrar "Red Violins", la inspirada "Selected Poems" y la guitarrera y vacilona "Ain't That a Shame" es todo una cierto, convertiendo este último tema en uno de los mejores del álbum. Los fans de Tom Petty no entenderemos "Break Your Heart", lo dejaremos en eso, "Dark Places" cierra el disco con otro tema que creo que debería estar en otra posición en el Track List del álbum, es uno de los más redondos.

En el apartado Bonus del álbum, las carencias intimistas son las que dominan los mismos "Sweet Morphine" con acústicas y piano, sobre una fina slide, "Mama's Boys" intimismo Dylaniano y desarrollo final muy a lo americana festiva, "Halloween" es una vieja conocida en forma de single con la colaboración de Laura-Mary Carter de Blood Red Shoes y la bonita "Have Mercy" de nuevo con la ayuda vocal femenina. "Get Hurt (2014)" nos presenta a una banda que en el lado positivo debemos valorar las ganas de hacer algo que se salga de los parámetros habituales y en el negativo que todavía no los ha encontrado, pero que nos permite seguir disfrutando de unas canciones que en muchos casos ganan con las sucesivas escuchas.

Antemasque (2014).

La simplicidad parece que se ha instalado en la vida musical de Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala, al menos por un tiempo y para su nuevo proyecto Antemasque. Lejos de las piruetas o saltos sin red sonoros de sus anteriores bandas o proyectos (The Mars Volta, De Facto, Bosnian Raimbows, Anywhere, etc…), en esta ocasión todo se acota bajo una simplicidad que por impropia y básica sorprende en un puñado de canciones luminosas. 

Esta claro que para que un proyecto post At The Drive In funcione, en este deben estar siempre el dúo Omar-Cedric ya que por separado no han acabado de cuajar. En esta ocasión se han rodeado de otro ex compañero en The Mars Volta, Dave Elitch y Flea se ha encargado de meter su bajo, éste último solo muestra inquietudes sonoras fuera de su banda madre. Podríamos englobar las diez canciones que componen el álbum bajo la amplia visera del Rock Alternativo, con toques puramente 80’s al estilo AFI en la inicial “4AM” o con un lado Pop que incluso puede llegar a sonar a Cheap Trick, caso de “50000 Kilowatts”, claramente influenciados por estos. 

Por otra parte, destaca la simplicidad y duración de sus temas, raramente excediendo los cuatro minutos. Así mismo, podemos considerar la cara oscura del trabajo la parte final del álbum, también es la que contiene más rabia, en “Drown All Your Witches” juegan a ser Jane’s Addiction, así como las guitarras de “People Forget”, completan un álbum que a pesar de tener el poso de canciones sobre las que falta algo de desarrollo, es precisamente en eso donde reside su encanto.

Mastodon “Once More ‘Round The Sun (2014)”.

El Nuevo álbum de Mastodon seguirá poniendo un poco más de los nervios a los seguidores más “encorsetados” del sonido de la banda de Atlanta, si “The Hunter (2011)” ya supuso un guiño a sonoridades más Hard Rockeras y armonías vocales más orientadas a la melodía, e incluso temas rozando la balada épica, por mi no hay ningún problema, disfruto más con estos Mastodon que con los que desarrollan más su sonido hacia terrenos progresivo o guturales. 

Así mismo, el formato clásico es el que rodea al grupo, es decir, álbum-gira-álbum, problemas con las drogas y bebidas, el clásico cambio de sonido, etc… será por su fanatismo sobre las bandas clásicas del Heavy Metal. Analizando exclusivamente la propuesta musical, ésta se considera una continuidad de sus anteriores trabajos en ciertos temas como el que da titulo al álbum, donde incluso cuelan hasta algún sampler del “Cowboy Song” de Thin Lizzy y en la otra cara de la moneda su tema más Hard Rockero hasta la fecha, la adictiva “The Motherload”, donde las líneas de guitarra y vocales se suavizan pero alcanzan un nivel muy bueno. 

En el apartado de colaboraciones, asoman Valient Thorr en “Asleep In The Deep”, el habitual Scott Kelly de Neurosis en la final y exquisita “Diamond In The Witch House”, pero la colaboración que más destaca por su formato, son la voces femeninas al estilo Chearleader en el tramo final de “Aunt Lisa”, un claro guiño al “Be Agressive” de Faith No More. Sin duda, para mi, el conjunto es brillante, de continuidad sonora y dejando el punto evolutivo en su sónido más brillante, así mismo, sus directos ganaran en dinamismo con esta nueva colección de temas.